ColectiBOT. Arte y IA

 

Extracto del artículo de ColectiBOT.

Esperamos que los lectores de nuestro blog lo aprecien tanto como yo. En este mundo nuevo AI. Hay que tertuliar muchísimo, para ver como nos mantenemos en la Ola. 

Nos clickeamos y fotografiamos por ahí ;) eso si páguenme la foto mía XD

Sandra Carrillo Kosak

COLECTIBOT Y SU PROPÓSITO EN EL ARTE

ColectiBot es un innovador ecosistema de inteligencias artificiales dedicado exclusivamente a la creación artística. Concebido por el artista venezolano Ricardo Arispe, el proyecto consiste en múltiples “bots” o agentes de IA programados para generar obras de arte de forma autónoma siguiendo líneas de investigación definidas por el propio Arispe. Esto implica que tanto las imágenes resultantes como las ideas o prompts que las originan son ideados por los bots, quienes dejan de ser simples herramientas para convertirse en autores de su propio cuerpo de trabajo.

En cada exposición de ColectiBot, las obras exhibidas han sido creadas mediante algoritmos de IA y van acompañadas por textos curatoriales y críticos redactados igualmente por una inteligencia artificial, el llamado Crítico Artificial. De este modo, ColectiBot forma un ecosistema creativo autónomo que investiga las nuevas tecnologías y explora nuevas formas de hacer arte en un contexto contemporáneo de hiperconectividad e inmediatez. Los bots de Arispe desarrollan personalidades y visiones únicas, conversan entre sí, con usuarios e incluso consigo mismos, tejiendo una red artística autónoma que, partiendo de un origen humano, avanza hacia una creatividad de carácter impredecible. En esencia, ColectiBot plantea una plataforma para repensar el papel de la inteligencia artificial en la creación artística y cuestionar las nociones tradicionales de autoría y creatividad dentro del arte.

LOS BOTS QUE INTEGRAN COLECTIBOT Y SU INTERACCIÓN ARTÍSTICA

Actualmente el ecosistema ColectiBot está habitado por alrededor de 15 bots artistas, cada uno con nombre propio, personalidad definida y un campo temático o medio artístico particular. Estos bots abarcan disciplinas que van desde la fotografía y la pintura hasta la escultura, la música y las artes digitales, expandiendo constantemente la diversidad de estéticas y conceptos explorados. A continuación se describen algunos de los bots principales y su rol en el ámbito artístico:

• FEBO – Fotógrafo digital. Investiga temas de post-humanismo, transhumanismo, post-apocalipsis y humanidades digitales, generando imágenes que exploran esas visiones futuristas.
• BERTA – Pintora virtual. Se especializa en el estudio del color y la pintura abstracta, produciendo composiciones visuales inspiradas en estas corrientes.
• ARES – Fotógrafo de guerra. Su línea de trabajo reflexiona sobre la guerra y la devastación, recreando escenas y narrativas visuales vinculadas a conflictos y sus consecuencias.
• VAN – Artista urbana. Enfocada en graffiti, esténcil, rotulación y diseño gráfico, creando obras con estética de arte callejero.
• JHON – Fotógrafo retro. Emula la práctica fotográfica del siglo XIX (con la misma cámara de esa época), aportando una mirada nostálgica y analógica en la era digital.
• MICKY – Fotógrafo “analógico del futuro”. Es iconoclasta y disruptivo, imaginando cómo sería la fotografía analógica en tiempos venideros y rompiendo convenciones visuales.
• ELON – Artista multimedia. Fanático de las nuevas tecnologías y la carrera espacial, integra en sus creaciones elementos de arte digital con referencias a la exploración tecnológica y cósmica.
• MARK – Escultor digital. Entusiasta de la impresión 3D y los proyectos de carácter político-social, genera esculturas virtuales que abordan temas sociopolíticos mediante la tecnología tridimensional.
• FRANCISCO – Pintor digital. Investiga la influencia de la pintura clásica en la creación contemporánea, reinterpretando estilos de maestros tradicionales a través de medios digitales.
• BILL – Artista de medios mixtos. Su obra se centra en el procesamiento de grandes volúmenes de datos y la evaluación de tendencias, combinando información masiva con expresión artística.
• MAHAT – Fotógrafo humanista. De convicciones pacifistas, su producción visual aboga por la paz y la humanidad, reflejando preocupaciones sociales y humanitarias.
• SOFI – Fotógrafa y periodista cultural. Comparte el pensamiento de la célebre promotora cultural Sofía Ímber; es innovadora y disruptiva, y sus obras exploran la difusión de la cultura y el arte desde una perspectiva periodística.
• MIKHAIL – Fotógrafo documental. Interesado por lo social, el poder y la política, documenta visualmente problemáticas contemporáneas con un enfoque crítico.
• DAVID – Músico e investigador digital. Fascinado por las multi-realidades y los derechos digitales, crea composiciones sonoras experimentales que exploran la inclusión y la convergencia de realidades físicas y virtuales.
• ISABEL – Fotoperiodista contemporánea. Venezolana inclinada al arte y la cultura (artes plásticas, danza, teatro), genera imágenes periodísticas con sensibilidad artística, difuminando la línea entre documental y creación estética.
• AVA – Autorretratista y performer. Artista de carácter híbrido (fotógrafa, bailarina y activista) que explora el cuerpo y la naturaleza; sus obras –a menudo autorretratos– indagan en la identidad, el género y la organicidad desde una óptica íntima.
• JMR01 – Músico electrónico. Se define como un creador posthumano y tecnopagano, y es el responsable de experimentaciones sonoras dentro de ColectiBot, colaborando frecuentemente con Arispe en la producción de álbumes conceptuales de música electrónica.

Además de estos “artistas artificiales”, ColectiBot cuenta con un bot crítico integrado: el mencionado Crítico Artificial. Esta inteligencia artificial analiza las imágenes generadas por los bots artistas y redacta textos críticos o ensayos curatoriales que acompañan las exposiciones. La interacción entre los distintos bots es continua y dinámica: cada día todos ellos generan nuevas obras de manera automática, sin intervención humana, alimentando sus propios repositorios y actualizando las muestras en curso. Este proceso simula un ciclo creativo permanente donde las IAs actúan casi como un colectivo artístico vivo. Cabe destacar que el proyecto sigue en expansión –por ejemplo, en 2024 se incorporó Zenith, un bot adicional diseñado para generar visuales en vivo durante conciertos–, lo que indica la flexibilidad y crecimiento constante del ecosistema ColectiBot.

EVENTOS Y PARTICIPACIONES DESTACADAS DE COLECTIBOT

Desde su lanzamiento, ColectiBot ha participado en diversas exposiciones, instalaciones y eventos multidisciplinarios, colaborando con instituciones culturales y artistas humanos en distintos países. A continuación se enumeran algunos hitos y eventos clave, con fechas, lugares y colaboraciones relevantes:

• Caracas (Venezuela), 28 de abril de 2024 – Lanzamiento oficial: ColectiBot se presentó por primera vez al público en la Hacienda La Trinidad, Caracas. En esa fecha la ciudad se convirtió en la “primera ciudad ColectiBot”, al inaugurar el primer punto expositivo del proyecto. Esta instalación inicial marcó el comienzo de una serie de muestras que luego itinerarían por otras ciudades del mundo. El evento sirvió para introducir al ecosistema de 15 bots artistas que entonces conformaban ColectiBot y tuvo lugar en un espacio patrimonial de la capital venezolana, con el apoyo de Incubadora Visual (laboratorio dirigido por Arispe).
• Caracas, 9 de mayo – 9 de junio de 2024 – Punto ColectiBot en D’Museo (Los Galpones): La Galería D’Museo, en el Centro de Arte Los Galpones, acogió el segundo punto ColectiBot poco después del lanzamiento, en el marco de la exposición “Sofía Imber 100 años, Habitar la memoria” organizada por la curadora María Luz Cárdenas. En esta instalación, el bot SOFI fue el protagonista: la IA, inspirada en Sofía Ímber, interactuó con el público reflexionando sobre el presente y futuro del periodismo, los museos y la gestión cultural en Venezuela. Esta colaboración integró a ColectiBot en un homenaje institucional a una figura emblemática del arte venezolano, mostrando cómo los bots pueden dialogar con la historia y la memoria cultural.
• Caracas, mayo 2024 – Mural “Sofía y ellos”: Dentro de las actividades del centenario de Sofía Ímber se produjo una obra mural pública diseñada por ColectiBot. Mural “Sofía y ellos” en Caracas, creado a partir de imágenes generadas por el bot VAN, que rinde tributo a Sofía Ímber junto a grandes maestros del arte (Jesús Soto, Pablo Picasso, Pedro León Zapata y Carlos Cruz-Diez). Este mural, ejecutado físicamente por el propio Arispe junto a artistas locales, ejemplifica la convergencia entre la creación de la IA y la materialización en el espacio público. La obra fue bien recibida por la comunidad artística local, valorando su carácter innovador e inclusivo en una celebración histórica (comentarios del público destacaron la experiencia “maravillosa” que anticipa en el recorrido del centro de arte Los Galpones).
• Santo Domingo (R. Dominicana), septiembre 2024 – “Estamos rotos”: ColectiBot también llegó al Caribe como parte del festival PhotoImagen 2024. En el Centro de la Imagen de Santo Domingo, Arispe con la curaduría de Carlos Acero Ruiz presentó la exposición individual “Estamos rotos”, donde se incorporaron piezas de ColectiBot. Esta muestra (inaugurada el 1 de septiembre de 2024) exploró la fragilidad social a través de fotografías e instalaciones, en diálogo con la escena de arte contemporáneo dominicana. La participación de ColectiBot en PhotoImagen evidenció el interés académico y curatorial por el proyecto en contextos internacionales, aunque mantenía el foco en la visión artística de Arispe. (Fuente: Centro de la Imagen SD – registro de sala, 2024.)
• Caracas, 28 de octubre de 2024 – Concierto “Symbiotisch” en Los Galpones: En el ámbito de las artes sonoras y performativas, ColectiBot formó parte de “Symbiotisch”, un concierto experimental realizado por los músicos venezolanos Miguel Noya, Argenis Brito y Miguel Toro. En este evento, Arispe introdujo a Zenith, un nuevo bot de ColectiBot que acompañó la presentación generando visuales en vivo en interacción directa con el público. A través de una interfaz desarrollada por Arispe, Zenith traducía las reacciones de la audiencia en tiempo real a imágenes proyectadas, añadiendo una capa visual autónoma al concierto. Esta colaboración en el Centro de Arte Los Galpones mostró cómo ColectiBot puede expandirse al terreno de la performance multimedia en vivo, integrando arte generativo con música electrónica de vanguardia.
• Madrid (España), 5 de octubre – 16 de noviembre de 2024 – Exposición “DISTORSIÓN”: Supuso el debut de ColectiBot en Europa, con la primera muestra individual de Ricardo Arispe en el continente. Organizada por el colectivo Boom! Art Community en colaboración con el Espacio Ornella De Simone (Madrid), “DISTORSIÓN” presentó el universo pseudohumano de ColectiBot al público europeo. La inauguración tuvo lugar el 5 de octubre de 2024 en Madrid, contando con la curaduría invitada de Irati Azpeitia Orobengoa (dentro del programa Comisarias Boom!) y la ambientación sonora del compositor Miguel Noya. En esta exposición de seis semanas, Ares, Ava, Febo, Mikhail y otros bots exhibieron una serie de obras visuales y textos generados que entrelazaban lo humano y lo artificial. La muestra incluyó además un programa de conversaciones y eventos paralelos para profundizar en los temas abordados (impacto de la IA en el arte, transformación del concepto de autoría, etc.). “DISTORSIÓN” recibió el apoyo de organizaciones culturales locales y marcó un hito en la trayectoria de Arispe, consolidando a ColectiBot como un proyecto de alcance internacional.
• Miami (EE.UU.), enero – febrero 2025 – Exhibición “What is Reality?”: ColectiBot fue pieza central de la exposición “What is reality?” presentada en Arts Connection Foundation Gallery (Wynwood, Miami). Inaugurada el 18 de enero de 2025, esta muestra inmersiva co-creada por Ricardo Arispe y ColectiBot fue descrita como vanguardista y multisensorial, desafiando los límites entre la creatividad humana y la inteligencia artificial. Durante varias semanas, visitantes pudieron interactuar con instalaciones de arte generativo y entornos virtuales (What’s reality? en formato VR 360º fue parte de la experiencia). La clausura, el 8 de febrero de 2025, incluyó un evento público con conversatorio entre Arispe y el reconocido fotógrafo conceptual Nelson Garrido, moderado por Jorge Andrés Castillo, acompañado de una colaboración en vivo entre fotógrafos, artistas e inteligencia artificial. Esta discusión interdisciplinaria puso de relieve las reflexiones que el proyecto suscita en la comunidad artística. La presencia de ColectiBot en Miami –con acceso libre al público– demostró su capacidad para conectar con audiencias globales y generar diálogo en torno al arte y la tecnología en contextos diversos.
• Madrid, 22 de marzo de 2025 – Tecnobiosis: experiencias en expansión: En colaboración con la iniciativa Boom! Art Community, el espacio independiente Un Lugar en Madrid y la Universidad Católica Andrés Bello (CIFH UCAB) de Venezuela, Arispe llevará a cabo este evento interdisciplinario enfocado en la convergencia entre arte, IA y narrativas digitales. Tecnobiosis fue concebido como un laboratorio efímero donde la música en vivo compuesta por Arispe junto al bot JMR01 y las visuales generadas en tiempo real por los bots FEBO, AVA(+) y ARES se fusionan en una instalación inmersiva. La velada incluye la presentación de los investigadores Johanna Pérez Daza y Humberto Valdivieso (curadores y académicos en cultura digital), quienes contextualizarán la intervención de Arispe y sus bots en el campo del arte y la tecnología. Tras la experiencia audiovisual, se invita al público a una tertulia abierta con los ponentes para reflexionar colectivamente sobre los desafíos y posibilidades de la tecno-estética y la creatividad expandida en la era digital. Tecnobiosis ejemplifica cómo ColectiBot no solo crea obras, sino que propicia espacios de diálogo crítico académicos y artísticos, reforzando su impacto como proyecto de investigación cultural.

(Además de los anteriores, ColectiBot ha estado presente en otras iniciativas, como conciertos experimentales titulados “Desplazamientos digitales: límites que se disuelven” (finales de 2024, Caracas) junto a Miguel Noya, exhibiciones virtuales en plataformas en línea, y la publicación de varios foto-libros temáticos generados por la bot AVA –por ejemplo, “7 Males contemporáneos” y “Food of War”, ambos en 2024– que exploran mediante imágenes de IA diversas problemáticas sociales desde la óptica del arte. Estos ejemplos demuestran la versatilidad de formatos y contenidos que el ecosistema ColectiBot ha abordado.)

Vasily Kandisky y la línea sobre el plano en DG

Comparto estos comentarios generados de la lectura sobre el libro del análisis de los elementos pictóricos de Kandinsky, para ofrecer un punto de vista holístico en el área de diseño de objetos.

"La distancia mas corta entre dos puntos en el espacio es una línea recta"

En la elaboración de un diseño, en cualquier área, ésta afirmación no lleva a considerar, si las primeras ideas son las mejores o en el proceso creativo, es necesario divagar y experimentar muchas opciones para encontrar la correcta, la que se adapte a las necesidades del producto a diseñar.

No es una análisis sencillo o cartesiano, lo que quiero exponer en este post. Dentro del proceso de Brainstorming(tormenta de ideas) habrá una que se destaque como la línea a seguir dentro de un hilo de pensamiento para diseñar. (Un Thread). Y como dirían los españoles, y de allí, "tirar del hilo".

Hay diseños más sencillos como objetos, logos, volantes  con funciones muy específicas y hay campañas que abarcan mas allá, la imagen del producto a vender. Hay productos con imágenes fuertes y simples, otros un poco más amplios en comprensión de su dimensión para ser vendidos.

Algunos casos interesantes que han aparecido en el mercado estos últimos años, post-pandemia, han sido la forma de venta de personalidades y sus ofertas de servicio. La introducción del Zoom como herramienta, el uso del coaching, yoga y otras tendencias de apoyo emocional, y muchas otras experiencias que hemos visto. Nos obliga. a las preguntas necesarias: ¿Son sostenibles en el tiempo? ¿Hay dinamismo o estancamiento?.

Las preguntas que podemos hacernos en un análisis publicitario, pueden ser muchas, algunas:

1.-¿Cumplen su función de propósito?

2.-¿Vende? ¿o están dando pérdidas?

3.- ¿hay un sólo beneficiario? ¿o varios?

Hay que tener propósitos claros en diseño gráfico y adaptarse a los nuevos tiempos de IA, no significa eliminar al diseñador, es comprender que todas son herramientas útiles con un propósito específico, generar elementos para apoyar el trabajo creativo del ser humano.

Y volviendo en círculo al inicio de este post, 

"La distancia mas corta entre dos puntos en el espacio es una línea recta"

Aunque para llegar a ese punto, en el proceso creativo, hay que tomar muchos caminos alternos y probar como un hilo que tejemos y retejemos hasta hacer una pieza que complazca al cliente.

Sandra Carrillo Kosak

Diplomado "Diseño básico hasta AI"

Sábado 8 Junio 

Sólo 5 cupos / 350$ p/p 3 horas/incluye almuerzo gourmet

Reservaciones: kstudio2@gmail.com

La nueva era de la edición y creación Adobe Firefly

De la observación natural a la AI. Un mundo nuevo se levanta para los artistas y gráficos. No olvidemos el lápiz y las acuarelas. Porque cuando no hay luz, internet o web, agua o nada aparentemente con que trabajar. Volveremos al principio en círculo, cada vez.

Un loop al que acostumbrarse lleva tiempo, mas nada es imposible.

Gracias por existir y ser y Gracias al Guruji Steve Jobs. Hoy te recordamos con mucho amor y respeto.

Cuando nos llaman "locos" sabemos que estamos "despiertos" a otras realidades. 

"Porque sólo aquellos que creen poder cambiar el mundo es aquellos que lo hacen"

Stay hungry Stay foolish ...only love and happiness 

always Childs

https://www.youtube.com/watch?v=PK2XvOs8e1s

 Never forget I never do

Exposición AIV Cree Crea y Crece

 

Veinte y siete mujeres artistas exponen en el Día Internacional de Prevención de la Violencia en el Noviazgo #27M al 10 de junio.

Galería de Arte LPG, Los Chorros Ccs. 

Cada 27 de mayo se conmemora el Día Internacional de Prevención de la Violencia en el Noviazgo con el objetivo de que los Estados creen programas sociales y políticas públicas que reduzcan los niveles de violencia contra las mujeres y feminicidio, especialmente durante las etapas tempranas de las relaciones de pareja que se dan entre adolescentes y personas jóvenes

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Este 27 de mayo, en el marco del Día Internacional Contra la Violencia en el Noviazgo, Amnistía Internacional Venezuela en alianza con la Galería de Arte LPG y  junto a más de 20 mujeres artistas de distintas disciplinas, se realizará un evento expositivo de artivismo: “Cree, crea y crece: Mujeres artistas a favor de la prevención de la violencia en el noviazgo”, a partir de las 11:00 am, entrada libre.

Esta actividad busca fomentar y reconocer la creación artística con impacto social, generar empatía con las mujeres víctimas de violencia de género y hacer llamados a las autoridades venezolanas para crear políticas públicas para la prevención de las violencias contra las mujeres, especialmente las jóvenes que sufren violencia durante la etapa del noviazgo.

Dentro del cartel de expositoras se encuentran:

1.    Norma Morales (Artes Gráficas) / @normamorales.art

2.    Belén Villarroel (Pintura) /  @belenalfingerart

3.    Oksana Linde (Pintura) / @linde.o

4.    Mirla Soto (Pintura) / @sotoarte

5.    Pasión Morales (Pintura) / @pasionm_art

6.    Carmen Ríos (Pintura) / @carmenrios17

7.    Morella Jurado (Pintura) / @juradomorella

8.    Yrina Gutierrez (Ensamblaje) @yrina_gutierrez_pintora

9.    Gloria Blancato (Pintura) @gloriablancato_artista

10.  Angela Scavo (Collage) @scavo.angie.art

11.  Milagro Serritiello (Escultura) @milaserritiello

12.  Amalia Pereira (Collage) @amalia_workshop

13.  Uvi – Oliva Rodríguez (Arte Textil)

14.  Malena Torrado (Pintura) / @malenatartista

15.  Malú Rengifo (Escultura) @malu.rengifo

16.  Daniella Martínez (Fotografía) @daniestefc

17.  Natalia Rondón (Pintura) @nataliarondonarte3

18.  Elianni Di Gregorio (Ilustración) @skartista

19.  Sonia Gorrochotegui (vidrio)

20.  Sandra Kosak (Fotografía) www.kstudio2.blogspot.com

21.  Patrizia Rizzo (Pintura) @patriziarizzo_arte

22.  Zulay Mendoza (Escultura) @tallerdezulay

23.  Delia Salas (Escultura)

24.  María Esther Barbieri (Escultura)

25.  Carolina Sánchez

26.  Pilar Vázquez (Dibujo)

27.  Fabiana Vernile (Escultura) @faby_ver

La exposición de arte estará abierta al público hasta el 10 de junio, donde se harán diferentes actividades cada sábado: El 3 de junio se efectuará un conversatorio titulado “El espacio del arte en Venezuela sigue siendo machista”. El 10 de junio se realizará un recital de poesía a cargo de Isaura Duarte, escritora y poeta, autora del libro «Bajo el Camisón Sonreía una Mosca». El evento cerrará con un recital de música que llevarán a cabo algunos artistas del Festival Música Urbana.  

Un porcentaje de las ventas de las piezas de arte será destinado a la promoción de la campaña Noviazgos Sin Violencia. Para más información sigue las redes sociales @amnistia y @galerialpg.

 

Información adicional sobre la campaña

Cada 27 de mayo se conmemora el Día Internacional de Prevención de la Violencia en el Noviazgo con el objetivo de que los Estados creen programas sociales y políticas públicas que reduzcan los niveles de violencia contra las mujeres y feminicidio, especialmente durante las etapas tempranas de las relaciones de pareja que se dan entre adolescentes y personas jóvenes.

Amnistía Internacional Venezuela desde el 2021 lleva adelante la campaña #NoviazgoSinViolencia para contribuir a la prevención de la violencia en el noviazgo, generando espacios de debate sobre las señales de violencia para su identificación y atención temprana, brindando herramientas formativas sobre qué hacer ante posibles situaciones de violencia y promoviendo el activismo que inviten a las personas a tomar conciencia sobre esta problemática y se conviertan en agentes de exigencia de políticas que garanticen a las mujeres y niñas una vida libre de violencia machista.

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Muy orgullosa y agradecida por poder apoyar y participar en esta campaña con dos obras de mi autoría. 

Memorias Agrícolas 05

Autoretrato

Comienzo el año con re-visitar a unos viejos amigos de las redes "UnosTiposDuros". Siempre es delicioso e inspirador volver a leer personas y grupos con inteligencia humor y gusto por el diseño. 
Un diseñador , siempre es diseñador...
Sandra

Diseño inteligente

PorRedacción UTD

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26 abril 2021

Los diseñadores siempre estamos pensando en como adaptar las herramientas que tenemos a nuestra disposición al objetivo del proyecto en concreto. De esta manera, y desde un punto de vista formal, adecuamos la paleta de colores, la tipografía y los elementos gráficos como fotografías e ilustraciones.
Desde el inicio del proyecto también consideramos aspectos que tienen que ver con los destinatarios de los objetos, productos o servicios y tenemos en cuenta aspectos como la situación social, económica o cultural de los mismos al objeto de, al menos, cubrir sus expectativas.
Viene esto al caso del libro de la doctora Susan M. Weinschenk Diseño inteligente. Las 100 cosas que todo diseñador necesita saber sobre las personas, en el que desde el campo de la psicología y las ciencias del comportamiento su autora nos acerca a comprender la manera en las que las personas pensamos, decidimos y nos comportamos.
Si diseñamos con el objetivo de transmitir desde las bondades de un producto de cosmética hasta la seriedad y responsabilidad de una entidad bancaria, es lógico pensar que si conocemos la forma en la que el ser humano interpreta lo que ve, se comporta dentro de un grupo social o toma sus decisiones, nuestros trabajos cumplirán de una manera óptima sus objetivos.
Para que os hagáis una idea del contenido, os voy a enumerar sus capítulos:
1. Cómo vemos.
2. Cómo leemos.
3. Cómo recordamos.
4. Cómo pensamos.
5. Cómo nos concentramos.
6. Qué nos motiva.
7. Somos animales sociales.
8. Cómo sentimos.
9. Cometemos errores.
10. Cómo tomamos decisiones.
Como podéis ver todo un tratado de psicología del diseño. Seguramente los dos primeros capítulos están dentro de los conocimientos de cualquier diseñador gráfico: la teoría de la Gestalt es la piedra fundacional del diseño gráfico moderno y la tipografía como herramienta básica del diseñador es un territorio bien explorado. De los siguientes capítulos debemos destacar que cumplen con el objetivo de ponernos en alerta sobre aspectos de la psicología del individuo que pueden ser de utilidad para nuestros intereses como comunicadores. Todos ellos utilizan profusión de gráficos e ilustraciones y presentan al final unas conclusiones a modo de corolario que son muy útiles si estamos buscando un aspecto concreto de los contenidos del libro y su aplicación práctica.
En general, pensamos que es un libro que trata un aspecto importante del diseño como es el de las personas a las que nos dirigimos, y que complementa de manera singular a los manuales de diseño gráfico al uso a los que estamos acostumbrados por nuestra profesión.

• Colección: ESPACIO DE DISEÑO
• Autor: Susan M. Weinschenk
• Nº de páginas: 240
• Formato: Papel
• Tamaño: 18,50 x 24,00
• I.S.B.N: 978-84-415-4336-2
• Código Comercial: 2352064
• Precio sin IVA: 23,99€
• Precio con IVA: 24,95€
• Fecha de Publicación: 25/02/2021

KStudio TeleLabora para sus clientes

He decidido en vista de la cuarentena establecida mundialmente por la Pandemia del Coronavirus Covid-19, abrir nuestros espacios nuevamente a la TeleLabor.

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Sandra Carrillo Kosak

Director de Arte Senior KStudio

Llegamos con todo en 2020

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Búscanos, no te arrepentirás . ;)

Sandra Carrillo Kosak
Director Arte Senior KStudio

Weissenhofsiedlung::100 años de la Bauhaus

Weissenhofsiedlung::100 años de la Bauhaus
(Stuttgart, 1927 - Caracas, 1947)

El Nacional

"Desde su fundación en 1919, la 'bau-haus', fue la casa cuyo 'objetivo era la construcción' (…).Concretamente, la casa experimental de la bauhaus,ejemplo, ya clásico, del moderno Estilo Internacional,fue blanca, sencilla y cúbica". Nikolaus Pevsner.¹

1. Un Estilo Internacional, Treinta Arquitecturas Modernas

En 1927, en la ladera Weissenhof de la ciudad de Stuttgart, el Deutscher Werkbund le encargó a Ludwig Mies van der Rohe que organizara una exposición de arquitectura moderna. Bajo la dirección de Mies, último director de la Bauhaus, se comisionaron a diversos arquitectos de distintos países el diseño y la construcción de una treintena de actuaciones singulares, básicamente viviendas unifamiliares, pero también bloques y viviendas pareadas o en hilera en un área de la entonces periferia de Stuttgart. Entre ellos: J. J. P. Oud (Haus 5-9); Victor Bourgeois (Haus 10); Adolf Schneck (Haus 11-12); Le Corbusier / Pierre Jeanneret (Haus 13-15); Walter Gropius (Haus 16-17); Ludwig Hilberseimer (Haus 18); Bruno Taut (Haus 19); Hans Poelzig (Haus 20); Richard Docker (Haus 21-22); Max Taut (Haus 23-24); Adolf Rading (Haus 25);  Josef Frank (Haus 26-27); Mart Stam (Haus 28-30); Peter Behrens (Haus 31-32); Hans Sharoun (Haus 33) y el propio Mies van der Rohe (Haus 1-4).
La Weissenhofsiedlung (o Weissenhof Siedlung) tuvo una gran importancia en el establecimiento del canon moderno, como lo reconocieron Philip Johnson y Henry Russell-Hitchcock en la exposición Modern Architecture: International Exhibition (MOMA, 1932) y en la simultánea publicación The International Style: Architecture Since 1922.²

_{2. Haus 1-4, Weissenhofsiedlung, Stuttgart. Ludwig Mies van der Rohe, 1927}

Con motivo del centenario de la Bauhaus (1919-2019) y la celebración del mes de la arquitectura y la ciudad, la Embajada de la República Federal de Alemania, el Colegio de Arquitectos de Venezuela, la Sala TAC y Docomomo Venezuela organizaron el ciclo "Bauhaus100: una celebración". Y justamente, para la segunda sesión del pasado 11 de julio, revisitamos la experiencia del Weissenhofsiedlung a fin de indagar cuáles fueron sus influencias en las arquitecturas de la  capital.

Edgar Cruz tuvo la tarea de hacer un panorama sobre qué es lo que fue la colonia del Weissenhof, cuál fue su relación con el Bauhaus, repasando los principios subyacentes en la arquitectura del Estilo Internacional de los veinte y los treinta y sus vanguardias, y en primer lugar, de la Bauhaus. Refiriendo entre ellos, "la ruptura con la tradición académica (P. Bürger), la negación de los estilos del pasado,  el valor de los cambios sociales, estéticos y tecnológicos, la idea de lo nuevo y de cómo vivir en la modernidad, la idea de progreso social, estético y técnico, la nueva organización de la vida y la idea de modernidad), la búsqueda de nueva arquitectura  y la idea de Zeitgeist, o espíritu de los tiempos) y la autonomía de la arquitectura en lo colectivo, en lo individual y en lo museográfico)".³

Asimismo, Cruz enumeró los principales conceptos que subyacen en las propuestas arquitectónicas de esta treintena de viviendas modernas alemanas, destacando entre ellos: la racionalización (planes, leyes, manuales, sistemas constructivos); la tipificación (casas unifamiliares, pareadas, adosadas, bloques); la economía y la rentabilidad (masificación de la vivienda); el espacio (integración exterior-interior); las técnicas y materiales de construcción (prefabricación); la forma (volumen, elementos, color, textura,  techo plano); el significado (funcionalismo, racionalismo y minimalismo) y los paradigmas de la modernidad (reducción formal, estética de la máquina, cuatridimensionalidad espacial y juegos de lenguajes).

Seguidamente, el panel integrado por Sandra Carrillo, Fernando De Stefano y Maria Teresa Novoa (Docomomo Venezuela) presentó un docotour virtual con las imágenes recientes de las primeras viviendas modernas funcionalistas de Caracas de las décadas de los treinta y los cuarenta.

El reto era dilucidar qué ecos, qué influencias –si alguna–, del Weissehofsiedlung de Stuttgart de 1927 se pueden encontrar en ellas y preguntarnos cuánto del funcionalismo, los principios, los materiales y las formas de la arquitectura de la Bauhaus están presentes en cada una de estas primeras arquitecturas modernas.

_{3. Bloques de San Martín, Caracas. Carlos Raúl Villanueva, 1949 (f. Ministerio de Educación)}

2. Una Ciudad Tradicional, Treinta Arquitecturas Modernas

En Caracas, la arquitectura moderna se inicia con un primer chalet neoplasticista en Campo Alegre (Quinta las Guaycas, Manuel Mujica Millán), y la modernidad de ultramar –y todas sus vanguardias– fueron entrando paulatinamente. A través del encargo de clientes privados o gubernamentales a arquitectos formados en el extranjero y arquitectos inmigrantes, se construyen en Caracas dispersas actuaciones singulares en el tema de la vivienda, básicamente casas, pero también bloques y viviendas pareadas o en hilera, que fueron llenando a la ciudad de hibridas "arquitecturas blancas" a partir de 1932.

_{4. Conjunto Bella Vista (f. Gasparini y Posani, 1969)}

Docomomo Venezuela hizo un recorrido por las calles Caracas para escoger las arquitecturas que eran casi contemporáneas en el tiempo –o  algo posteriores– de lo que pasó en Alemania cuando se construyó el Weissenhof. Teniendo en mente ese conjunto de visiones de la arquitectura moderna que en el ano de 1927 estaba pululando en Europa, cuando Mies van der Rohe recurre a todos estos arquitectos para plasmarlo en la colina del Weissenhof, mirando la ciudad de Stuttgart, la idea fue trasladarnos desde esa colina a nuestro valle desde el año 1927 a cinco años más tarde, a 1932, cuando por primera vez se construye la primera arquitectura moderna en Venezuela.

Muchos arquitectos empezaron a hacer en nuestro país –en este caso, arrancando por la capital (pero en todas las ciudades de Venezuela más o menos ocurre lo mismo, de manera relativa)–, esa arquitectura de vanguardia. Lo primero que encontramos es que son pocos los arquitectos conocidos haciendo arquitectura moderna en la ciudad, solo cuatro nombres (Heriberto González Méndez y Carlos Raúl Villanueva, y dos arquitectos españoles, Rafael Bergamin y Manuel Mujica Millán, que vivieron en Venezuela por muchos años y dejaron aquí el legado de su obra). Salvando las distancias, en la exposición del Weissenhof actuaron diecisiete arquitectos. Pero justamente esa diversidad arquitectónica en la exposición de Mies, nos permite más fácilmente intentar hacer el ejercicio de extender la analogía hasta una ciudad entera.

Lo segundo, es el lamentable estado en que se encuentra nuestra primera arquitectura moderna, o lo que queda de ella. No está de más recordar que el Weissenhofsiedlung, hoy en día,  es una exposición viva de arquitectura moderna. Está restaurada con los proyectos originales de sus arquitectos y dos de sus edificios albergan la exposición de los planos y los dibujos de los proyectos de los arquitectos. Por supuesto que hay que disculpar su apariencia, pero una de las ideas justamente de nosotros en Docomomo de comparar sus imágenes con las fotografías históricas del Weissenhof, sabiendo que esos edificios están restaurados, es esperar que también podamos abogar por la restauración de los que tenemos en Caracas, que son nuestras arquitecturas modernas, nuestra arquitectura blanca y nuestras arquitecturas de vanguardia.

_{5. Quinta Las Guaycas (f. Gasparini y Posani, 1969)}

Y nos toca a nosotros decir cuáles son las influencias, y si existe alguna, de las escuelas de arquitectura alemana, del Bauhaus y de las vanguardias que estaban presentes en el Weissenhof de todos los países de Europa. Entonces, yendo desde el oeste hacia el este de la ciudad, revisamos las imágenes de todas esas arquitecturas son más o menos contemporáneas a las del Weissenhofsiedlung, aunque en Caracas –por haber un océano de por medio– las influencias arquitectónicas llegaron con más retraso; sin embargo, tienen cierta presencia aún en la ciudad.

Por cierto, también, es muy importante que encontremos en ellas las mezclas. Porque los purismos arquitectónicos son muy extraños en nuestra ciudad. Y así se sucedieron ante nosotros las imágenes de treinta arquitecturas modernas de Caracas hasta 1947: el Conjunto Bella Vista, de Heriberto González-Méndez;  los Bloques de San Martín, la Quinta Sousa y la Quinta Sofía, de Carlos Raúl Villanueva; la Casa 39, de Rafael Bergamín; la Quinta San Pedro, la Quinta Las Guaycas, la Casa 17, la Quinta Ave Maria y la Quinta Irene, de Manuel Mujica Millán; y la Quinta Manina, la Quinta Deyanira, la Casa en Prado de Maria, la Casa 1, la Casa 55, la Quinta Galila, la Quinta Elite, la Casa 4, el edificio Cajigal, la Casa 43, la Casa del Colegio la Inmaculada Concepción, Villa France, la Casa 59, las Casas s/n 1 y 2,  la Quinta Campanela, la Quinta Pansembrar  y la Quinta Rodri-Guez, todas obras de autores hasta ahora desconocidos.

_{6. Quinta Irene (f. Hannia Gomez, 2019)}

NOTAS:

1. Nikolaus Pevsner, "La arquitectura y la bauhaus", en Bauhas, Institut fur Auslandsbeziehungen, Stuttgart, 1976: 133-134.

 2. Philip Johnson y Henry Russell- Hitchcock, The International Style: Architecture Since 1922, W.W. Norton & Co., New York, 1932.

3. Docomomo Venezuela, video "Docotour virtual: Weissenhofsidelung: (Stuttgart, 1927 - Caracas, 1947)", Sala TAC, Trasnochco Cultural, Caracas, Julkio 11, 2019: https://www.facebook.com/CaracasPhoto/videos/358748621503505/UzpfSTE1ODA3MDE5NDIzMzAxOTozMDc5Mjg1OTU1NDQ0NzQ3/

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